Ответы на билеты по истории искусств

Подождите немного. Документ загружается.

фантастических животных, сказочных чудовищ. Их изображения встречаются в

готическом искусстве так же часто, как и в романском в виде скульптур химер.

В 13-14вв. наряду с церковными книгами, богато иллюстрированными,

получили распространение часословы (сборники молитв), романы,

исторические хроники. На их страницах помещались сцены светских

увеселений, рыцарских турниров, крестьянского труда. Все обрамлялось

изящным орнаментом из цветов и трав.

В разных странах готический стиль имеет своеобразные черты. Во Франции –

на родине готики – произведения этого стиля характеризуются ясностью

пропорций, чувством меры, четкостью, изяществом форм. В Англии они

отличаются тяжеловесностью, перегруженностью композиционных линий,

сложностью и богатством архитектурного декора. В Германии готика получила

более отвлеченный, мистический, но страстный по выражению характер. В

Испании готические формы обогатились элементами мусульманского

искусства, привнесенного арабами. В Италию проникли лишь отдельные,

преимущественно декоративные элементы готики. Но в 14 в. готика

распространилась в Италии повсеместно. Пламенеющая готика достигла своего

высшего завершения в Миланском соборе.

Франция. Готическое искусство первоначально возникло и развивалось во

французской провинции Иль-де-Франс (центре королевских владений).

Характерные черты ранней готики воплотились в главном соборе столицы

Франции - Нотр-Дам де Пари (Парижской Богоматери). Заложен в 1163 г., но

его строительство продолжалось до XIV в. Нотр-Дам де Пари представляет

собой базилику (длина 129 м, состоит из 5 продольных нефов и 1поперечного –

трансепта). В храм ведут три входа-портала, обрамлённых уходящими в

глубину арками; над ними находятся ниши со статуями - так называемая

«королевская галерея» (изображение библейских царей и французских

королей). Центр западного фасада украшает окно-роза, а над боковыми

порталами вытянулись вверх окна под стрельчатыми арками. На башнях собора

располагаются скульптуры фантастических чудовищ - химер.В Нотр-Дам де

Пари соединились черты романского и готического стилей. Массивные башни

фасада характерны для романской архитектуры, в то время как крестовый свод,

опирающийся на арки, использование аркбутанов и контрфорсов, стрельчатых

арок и множества окон - черты, свойственные готическому искусству.

Собор в Шартре (XII—XIV вв.) считается одним из красивейших в Европе.

«Королевский портал» собора в Шартре - яркий образец готической

скульптуры. Собор в Шартре славился также своими витражами. К

выдающимся произведениям зрелой готической архитектуры относится соборы

и Реймсе и Амьене. Собор в Реймсе (1211-1330 гг.), где короновались

французские короли, - величественный памятник королевской власти и

могуществу. Собор в Амьене (1218-12б8 гг.) - длиной 145 и высотой 42,5 метра

- самый крупный во Франции.

На 14-15 вв. приходится завершающий этап средневекового искусства во

Франции. Этот период получил наименование поздней, или «пламенеющей»

готики: линии самых разных изображений приобрели форму языков пламени,

широко использовались криволинейные формы, сложный рисунок, ажурный

орнамент. Руанский собор, аббатская церковь Мон-Сен-Мишель.

Германия. Соборы и ратуши здесь стали центрами готического искусства.

Широкое распространение в Германии готика получила в первой половине XIII

в. Готические соборы в Германии значительно отличались от французских.

Желая как можно ярче передать стремление человеческого духа к небесам,

немецкие архитекторы резко увеличили высоту сводов, увенчав их башенками

со шпилями. Особенно роскошно украшали западные фасады соборов с одной

или двумя высокими стройными башнями. Как правило, здесь не было

наружных полуарок (аркбутанов); не встречались и окна-розы, вместо них

использовали стрельчатые окна.

Памятниками готической архитектуры Германии являются соборы в Марбурге,

Наумбурге, Фрейбурге, Ульме и других городах.

Выдающееся произведение германской архитектуры - собор в Кёльне (1248 г. -

XIX в.). Здание высотой 46 м, украшенное множеством арок, шпилей, ажурной

резьбой, стрельчатыми окнами.

Скульптура Германии, как и в романский период, в основном украшала не

фасады, а внутренние помещения храмов. Произведения германской

готической скульптуры по сравнению с французской менее изящно и тонко

исполнены. Убранство собора в Бамберге - здесь находятся многочисленные

рельефы, а также фигура Всадника - одна из самых загадочных статуй Средних

веков. Неизвестно, кого изображает эта скульптура - императора Карла

Великого, императора Отгона или просто христианского воина.

Англия. Шла своим путем. Готическая архитектура с 12 в. имеет национальное

своеобразие. Английские соборы строили на земля монастырей, а не в городе.

Особенность: наличие двух трансептов, один короче другого

(Кентерберийский собор, соборы в Линкольне, Солсбери 13 век). Английские

соборы строились в высь (до135м) и вширь. В декоративном интерьере –

цветовые контрасты между различными породами камня. Башня воздвигалась

над междокрестием. Место коронации англ. королей - гл. собор

Вестминстерского аббатства в Лондоне - похож на французский тип.

Испания. Находится под сильным влиянием мавританской (арабской)

архитектуры, поэтому присутствует пышность, декоративность. Соборы в

Леоне, Бургосе, Толедо. Италия. Итальянская культура была более светской,

чем религиозной. В Италии распространились только элементы готики:

стрельчатые арки, «окна-розы». Основа архитектурыры оставалась романской.

Готические соборы Италии поражают «неготическими» особенностями:

соборы Флоренции – Санта Кроче, Санта Мария Новелла, Санта Мария дель

Фьоре. В соборах горизонтальная линия доминирует над вертикальной. Самый

большой готич. собор Миланский – его строили немец. и францз. мастера.

Пышная скульптура. Готика представлена в гражданской архитектуре –

палаццо, лоджии, фонтаны. В Венеции из мрамора построен Дворец Дожей (14-

15 вв.). Итальянской архитектуре готика чужда, им близка четкость,

надежность.

Вывод: В целом искусство в конце Средневековья утрачивает вселенский

пафос и обращается к отдельному человеку. Монументальные формы живописи

стали вытесняться станковыми. В скульптуре и живописи выделяется жанр

портрета. Развивается резная деревянная скульптура. Средневековая Европа

оставила великие памятники культуры соборы, замки, ратуши, фресковые

произведения, витражное искусство, рыцарские романы, «Божественную

комедию» Данте.

25.Основные черты и этапы развития итальян. Возрождения.

Возрождение — новый этап в истории мировой культуры. В это время были

заложены основы совр-ной науки, в частности естествознания, высокого уровня

достигла лит-ра, получившая с изобретением книгопечатания большие

возможности в распространении. В это же время сложилась реалистическая

система в искусстве.

Термин «Возрождение» начал применяться еще в 16 в. по отношению к

изобразительному искусству художником Джордже Вазари.

Культура Возрождения (Ринашименто — на итальянском, Ренессанс — на

французском языке) возникла в Европе, в тех экономически наиболее развитых

областях, где раньше всего созрели предпосылки для перехода от феодализма к

начальной стадии капитализма.

С особой последовательностью и силой новая культура проявилась в

итальянских городах, которые уже на рубеже 14-15 вв. вступили на путь

капиталистического развития; в нидерландских, а также в некоторых и

южногерманских городах 15 в. Однако круг влияния культуры Возрождения

был гораздо шире и охватывал территории Франции, Испании, Англии, Чехии,

Польши.

В основе культуры Возрождения лежит принцип гуманизма, утверждения

достоинства и красоты человека, его разума и воли, его творческих сил. В

отличие от культуры средневековья гуманистическая жизнеутверждающая

культура Возрождения носила светский характер. Освобождение от церковной

схоластики и догматики способствовало подъему науки. Страстная жажда

познания реального мира и восхищение им привели к отображению в искусстве

самых различных сторон действительности. Было по-новому понятое античное

наследие. Воздействие античности сильнее всего сказалось на формировании

культуры Возрождения в Италии, где сохранилось множество памятников

древнеримского искусства.

Искусство эпохи Возрождения носило общественный характер. Именно эта

черта сближает его с искусством классической Греции.

Небывалый расцвет переживала живопись, которая раскрывала огромные

возможности в изображении жизненных явлений, человека и окружающей его

среды. Развитие наук, разработка линейной, а затем и воздушной перспективы,

изучение пропорций и анатомии человека - все это способствовало

утверждению в живописи реалистического метода.

Появились новые виды и жанры. В монументальной итальянской живописи

господствовала фреска. С 15 в. все большее место занимает станковая картина,

в развитии которой особую роль сыграли нидерландские мастера. Наряду с су-

ществовавшими ранее жанрами религиозной и мифологической живописи,

выдвинулся портрет, зародилась историческая и пейзажная живопись. В

Германии и Нидерландах широкое распространение получила гравюра, которая

часто использовалась в художественном оформлении книг.

Завершился начатый в средние века процесс обособления скульптуры: наряду с

декоративной пластикой, украшающей здания, появилась самостоятельная

круглая скульптура - станковая и монументальная. Декоративный рельеф

приобрел характер перспективно построенной многофигурной композиции.

Идеалы гуманизма выразились и в архитектуре, в ясном гармоническом облике

сооружений, в классическом языке их форм, в их пропорциях и масштабах,

соотнесенных с человеком.

Изменился характер прикладного искусства. Оно стало связано со светскими

заказами

Искусство Возрождения прошло этапы раннего (15 в.), Высокого (90-е гг. 15

в.- первая треть 16 в.) и позднего Возрождения (2-половина 16 в.).В разных

странах оно проявило себя по-разному. Так, например, в Нидерландах не было

этапа высокого Возрождения. Классической страной Возрождения была

Италия, где ясно выделяются периоды так называемого Проторенессанса

(преддверие Возрождения), раннего Возрождения и позднего, причем в рамках

позднего Возрождения наряду с гуманистическим искусством распространение

получает упадочное маньеристическое направление, не способствующее

познанию действительности.

Проторенессанс. В итал. культуры 13-14 вв. на фоне еще сильных

византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства

– будущего искусства Возрождения. Поэтому этот период назвали

Проторенессансом (т.е. подготовившим наступление Ренессанса).

Аналогичного переходного периода не было ни в одной из европейских стран.

В самой Италии проторенессансное искусство существовало только в Тоскане и

Риме.

В итальянской культе переплетались черты старого и нового. «Последний поэт

Средневековья» и 1 поэт новой эпохи Данте Алигьери создал итальянский

литературный язык. «Божественная комедия». Начатое Данте продолжили

флорентинцы Франческо Петрарка, родоначальник европ. лирической поэзии

(400 стихотворений гражданского и патриотического содержания, сонеты), и

Джованни Боккаччо, основоположник жанра новеллы (небольшого рассказа).

«Декамерон» - проблема отношений человека с человеком. Гордость. Эпохи

являются архитекторы и скульпторы Никколо и Джованни Пизано, живописец

Джотто ди Бондоне.

Архитектура. Итальянская арх-ру долго следовала средневековым традициям,

что выражалось в основном в использовании многих мотивов готики. Вместе с

тем сама итальянская готика на северную не походила: она тяготела к

спокойным крупным формам, ровному свету, горизонтальным членением

архитектуры, широким поверхностям стен. Церковь Санта-Кроче – одна из

самых больших. Храм отличался широкими пролетами, единым светлым

внутренним пространством, вместо сложных готических сводов в нем

использовано деревянное потолочное перекрытие. В 1334 г. по проекту Джотто

было начато строительство колокольни собора, так называемой кампанилы –

стройной прямоугольной башни поэтажными горизонтальными членениями и

красивыми готическими окнами, стрельчатая арочная форма которых еще долго

сохранялась в итал. арх-ре.

Живопись. Джотто ди Бондоне – флорентийский живописец. Мозаику

заменил фреской. Она соответствовала требованиям ренессанса: во-первых,

позволяла больше предать объем и плотность материала; во-вторых, быстрее

создавались многофигурные композиции. Первым реализовал принцип

подражание природе, начал рисовать с натуры живых людей (чего не делали

ранее). Он создал типический образ человека. Ввел в живопись реальное

пространство и реальные предметы. Изображаемые фигуры имеют объем.

Эффект световой моделировки (светлое – более приближенно к нам, темное –

удалено). Первым нарушил традицию плоскостного изображения, его фигуры

не на золотом фоне, а на фоне пейзажа, интерьера. Впервые линию горизонта

расположил на естественном уровне. Все эти новые традиции Джотто

разработал в процессе росписи капеллы Санта Мария Арена в Падуе. Явился

родоначальником типологии росписи церковных капелл, где циклы, разбитые

на композиции, располагались на стенах в 2-3 яруса. Ему не свойственна

симметрия, предпочитал свободные построения. Во фресках художник

показывал душевное состояние героев, эмоциональность. Его образы

выразительны: «Бегство в Египет» – образ Марии. На передний план у Джотто

выступают не образы, а лица, в которых виден характер и состояние человека.

«Поцелуй иуды» – Противопоставление добра и зла.

Треченто. Это время распространения в Италии готического стиля. На папский

престол встал француз, зависимость от католической церкви. Применение

готики в 14 веке в Италии говорит о соседстве гуманизма с мистикой. В

изобразительном искусстве появилось стремление к символам, к изысканным

цветовым решениям. Отличие в том, что уже в Италии был Проторенессанс,

поэтому готика в Италии не такая как в других странах Европы. В арх-ре

готический стиль применялся во внешнем декорировании фасадов храмов.

Остроконечные щипцы, стрельчатые арки, башни, окна-розы. Готический стиль

получил признание только в Сиене. Мраморная инкрустация пола в Сиенском

соборе – чудо. Рисунки выполнены в технике граффити, т.е. состоят из тонких

черных линий со вставками из цветного мрамора на белом фоне. Живопись

треченто выражала аристократические тенденции. Дуччо ди Буонинсенья.

Основатель сиенской школы, ученик византийских мастеров. В своем искусстве

соединил греческую манеру с готикой. Его работа икона-полиптих -

изображение Богоматери с младенцем Христом, окруженная ангелами. На

оборотной стороне иконы в клеймах представлены евангельские сюжеты.

Декоративная роскошь. В Сиене сильное влияние Французской готики. Симоне

Мартини. Работал при дворе герцога Анжуйского в Неаполе. Привнес черты

поздней готики. Ему присуща определенная цветовая гамма: сочетание синего

и красного цвета, много золота; золотой фон и плоскостное изображение;

размещение композиций на триптихах с завершением в виде стрельчатой арки

и резной золоченой рамой с готическим орнаментом: крестоцветами,

трилистниками. Но в треченто есть и мистические построения. «Триумф

смерти» на пизанском кладбище Кампоманто (автор не известен). Тема

безграничного могуществ смерти, быстротечности жизни все чаще возникала в

европейской живописи, воплощаясь как в масштабных аллегорических

композициях, так и в небольших натюрмортах.

Ранее Возрождение (Кватроченто). Это 15 век. Возникают художественные

школы. Итальянские города отражают различные исторические эпохи. Раннее

Возрождение во Флоренции. Новое направление в архитектуре было связано с

переработкой романской итальянской архитектуры, «инкрустационного стиля»

Особенность римской архитектуры является ее декоративность, когда на

плоскость стены накладывались архитектурные детали: пилястры, колоны,

карнизы. Родоначальником нового направления строительства был Филиппо

Брунеллески . Стал первым использовать ордер по-новому, используя ордерный

мотив в различных композициях. Возвел огромный купол собора Санта Мария

дель Фьоре во Флоренции. В восьмигранном куполе соединены элементы

флорентийской готики и римского купола. Он облегчил купол, пустотелый с

двумя оболочками. Новым было использование аркады: он опирал арки на

колонны. По-своему применял ордерную систему при создании городского

дворца. Дворцы были схожи рустовкой первого этажа, украшенными

наличниками, ордерными формами разделяющими здание на два этажа. В

постройках Брунеллески выражена одна из главных особенностей ранней

ренессансной архитектуры: предназначенная для людей, она по масштабам

соразмерна человеку, приближена к его реальному росту в отличие от

готических построек с высокими сводами.

Следующий этап развития итал. арх-ры XV века связан с именем Леона

Баттисты Альберти. Ученый, философ, многосторонняя личность, сравним

лишь с Леонардо да Винчи. В его творчестве сочеталось стремление вернуться

к классическому стилю с его четкими геометрическими формами, строгой

планировкой зданий, стенами с ордером и сдержанным оформлением и новым

взглядом, обращенным в будущее – Флорентийский палаццо (дворец)

Ручеллаи. Общая композиция здания – традиционна, зато фасадная стена

приобрела новые черты. Стена выложена гладкими отшлифованными

каменными блоками, украшена пилястрами. В последствии отходит от

готических принципов.

Скульптура. Расцвет монументальной скульптуры. Уже нет полной

подчиненности архитектуре. Она стала самостоятельной и самоценной. Стала

выразителем духовной и телесной красоты человека. Донателло. Работал во

многих итальянских городах. Соединил античность с религиозной

духовностью. Внес новое: 1. монументально свободно стоящая статуя.

Св.Георгий. – героическая личность. Твердо стоит на ногах, опираясь на щит, в

движении, левая нога впереди. Впервые в эпоху Ренессанса изваял

обнаженную статую Давида. Рассчитан на круговой обзор 2.- статуарная

пластика, связанная с архитектурой, для украшения соборов, Особенность -

учитывал где она будет установлена. 3. – рельефная пластика, добивается

истинного впечатления пространства. Образы индивидуальны, люди как

живые. Положил начало распространенному в 15 в. надгробий, где были

соединены элементы архитектуры (саркофаг) и пластики (рельеф и статуи).

Спокойное достоинство человека перед смертью. 4. – конный монумент,

возродил конную статую Гаттамелата – военноначальник. Переданы настоящие

черты. Это первый портрет человека эпохи Возрождения – человек всего

добился сам. В дальнейшем образы Донателло становятся драматичнее. Он

явился основателем скульптурной группы «Юдифь и Олоферн». Произведения

Донателло выразили основные идеи эпохи: гуманизм, стремление к

совершенствованию и развитие личности, проявление яркой индивидуальности.

Положил начало скульптурному портрету и отлил первый бронзовый памятник.

Живопись. Мазаччо. Следуя традициям Джотто, он сосредотачивает

внимание на образе человека, усиливая его суровую энергию и активность.

Объединяет фигуры с пейзажем, впервые вводит воздушную перспективу. Не

смену неглубокой площадке – месту действия – приходит изображение

реального глубокого пространства. Убедительнее и реальнее становится

светотеневая моделировка фигур. Мазаччо впервые в Возрождении

изображает обнаженное тело, придает человеку героические черты. Его

изображения реальны, естественны. Все это наглядно проявилось во фресках

Бранкаччи при церки Санта-Мария дель Кармине во Флоренйии «Чудо со

статиром» и «Изгнание из рая». Учело. Экспериментатор в области изучения и

использования перспективы. Первый итальянский баталист. фра Беата

Анжелико – монах. Источники византийской и средневековой миниатюры.

Творчество мистическое по духу, связанное с наивным миром религиозных

представлений, овеяно поэзией народной сказки. Росписи Сан Марка – дар

колориста - характерны голубой цвет, розоватые тона, создают радостное

впечатление, радость от красоты земного и небесного мира. Мастерски строит

перспективу, точно передает ритм и объемность фигур. Доменико Венециано.

Привлекают проблемы колорита. Впервые применил масляную живопись в

Италии. С его именем связаны изысканные профильные портреты, интересен

головной убор. Сандро Боттичелли. Черты возвышенной поэтичности,

утонченности и аристократической изысканности – наиболее яркое воплощение

в его творчестве. Два периода. Первый – время весны и радости. Отличаются

мягким лиризмом и безмятежностью. «Весна», «Рождение Венеры», «Венера и

Марс». Идеал: пропорции тела слегка вытянуты, маленькая голова, длин. шея,

удлиненное лицо, пухлые губы, продолгов. разрез больших глаз, высоко

поднятые брови. Линия тела очень мелодична. S образный силуэт – параллель

с готикой. Гл. цвет – золото. Все в этих работах отмечено спокойствием.

Большое внимание уделено рукам. Это новая черта в живописи 15 в., когда

через руки предается характер человека. Второй период - углубляются

пессимистические настроения худ-ка, время ведущее к гибели и забвению. Он

стал сектантом доминиканского монаха Савонаролы. Они обличали власть и

отвергали культуру Ренессанса. Оказали сильное влияние на Боттичелли. Он

сжег свои картины с обнаженными фигурами. «Покинутая», «Клевета

Апеллеса» - показаны духовные переживания. На его картинах человек

страдающий, утраты, потери, печаль. Боттичелли «величайший художник

линии»: тонким контуром он создавал объём формы, и иллюзию глубины.

Изображал предмет-символ.

26.Период Высокого Ренессанса как кульминация Великой культуры. Харак-ка

особенностей развития. (конце 15 в.– /3 16 в.)

Искусство Высокого Возрождения приходится на конец 15 и первые три

десятилетия 16 в. «Золотой век» итальянского искусства хронологически был

очень кратким, и только в Венеции он продлился дольше, вплоть до середины

столетия. Высочайший подъем культуры происходил в сложнейший

исторический период жизни Италии.

Отличительной особенностью культуры Высокого Возрождения было

необычайное расширение общественного кругозора ее создателе масштабность

их представлений о мире и космосе. Меняется взгляд на человека и его

отношение к миру. Сам тип художника, его мировоззрение, положение в

обществе решительно отличаются от того, которое занимали мастера 15 в., еще

во многом связанные с сословием ремесленников. Художники Высокого

Возрождения - не только люди огромной культуры, творческие личности,

свободные от рамок цехового устоя, заставляющие считаться со своими

замыслами представителей правящих классов.

В центре их искусства - образ идеально прекрасного человека, совершенного

физически и духовного, не отвлеченный от действительности, но наполненный

жизнью, внутренней силой и значительностью

Архитектура. Зарождение и развитие принципов архитектуры Высокого

Возрождения происходит в Риме. Складывается единый общенациональный

стиль. Исполненный величественности, монументальности и благородной сдер-

жанности, он основывается на более смелом и свободном использовании

классических ордеров античности. В Риме находит завершение архитектурный

образ здания с центрально-осевой симметричной композицией, с

пространством замкнутым и всесторонне развитым.

Браманте. Основоположником нового стиля и крупнейшим его

представителем в начале 16 в. был Донато д'Анджело Браманте (1444 -1514).

Он придал своим сооружениям величаво-монументальный облик. Эти

принципы проявились со всей ясностью в первой римской работе Браманте -

маленьком храме, так называемом Темпьетто, построенном в 1502 г. во дворе

монастыря Сан-Пьетро ин Монторио. Это круглое в плане купольное

сооружение небольшого размера, с гармонически развитым объемом, с мягко

круглящимся куполом. Окруженный колоннадой римско-дорического ордера,

поддерживающей антаблемент, Темпьетто производит впечатление

монументального величественного здания строгих пропорций и полнокровных

форм.

Став главным архитектором папы Юлия II, Браманте проводит огромные

работы по реконструкции Ватикана, объединяя отдельные разрозненные

постройки в единый монументальный комплекс.

Главное создание Браманте - проект собора св. Петра в Риме (1506),

воплотивший замысел идеального центральнокупольного здания с сим-

метричной композицией. Собор в дальнейшем был перестроен другими