Бычков М.Н. Популярный справочник. Творческие портреты композиторов
Подождите немного. Документ загружается.
_Девять братьев Яны_, начатая в 1929, а завершенная после возвращения на
родину в 1932 г. Пипков создал первую классическую болгарскую оперу,
признанную историками музыки выдающимся сочинением, которое ознаменовало
переломный этап в истории болгарского музыкального театра. Остросовременную
социальную идею в те времена композитор мог воплотить лишь иносказательно,
на материале народных преданий, отнеся действие в далекий XIV век. На
легендарно-поэтическом материале раскрыта тема борьбы добра и зла,
воплощенная прежде всего в конфликте двух братьев - злобного завистливого
Георгия Грозника и загубленного им, светлого душой, талантливого художника
Ангела. Личная драма перерастает в общенародную трагедию, ибо развертывается
в глубинах народной массы, страдающей от иноземных угнетателей, от постигшей
страну чумы... Рисуя трагические события давних времен, Пипков, однако,
имеет в виду современную ему трагедию. Опеpa создавалась по свежим следам
потрясшего всю страну Сентябрьского антифашистского восстания 1923 г.,
жестоко подавленного властями, - то было время, когда погибло много лучших
людей страны, когда болгарин убивал болгарина. Злободневность ее была понята
сразу же после премьеры в 1937 г. - тогда официальные критики обвинили
Пипкова в _коммунистической пропаганде_, писали, что в опере видится протест
_против сегодняшнего общественного строя_, - то есть против монархического
фашистского режима. Много лет спустя композитор признал, что так оно и было,
что он стремился в опере _раскрыть правду жизни, полной мудрости, опыта и
веры в будущее, веры, которая необходима для борьбы с фашизмом. Девять
братьев Яны_ - симфонизированная музыкальная драма, с остро экспрессивным
языком, полная сочных контрастов, с динамичными массовыми сценами, в которых
прослеживается воздействие сцен _Бориса Годунова_ М. Мусоргского. Музыка
оперы, как и вообще всех творений Пипкова, отличается яркой национальной
характерностью.
Среди произведений, которыми Пипков откликнулся на героизм и трагедию
Сентябрьского антифашистского восстания, - кантата _Свадьба_ (1935),
названная им революционной симфонией для хора и оркестра, и вокальная
баллада _Всадники_ (1929). Обе они написаны на ст. крупного поэта Н.
Фурнаджиева.
Возвратившись из Парижа, Пипков включается в музыкальную и общественную
жизнь своей родины. В 1932 г. вместе с коллегами и сверстниками П.
Владигеровым, П. Стайновым, В. Стояновым и другими он становится одним из
создателей общества _Современная музыка_, объединившего все прогрессивное в
отечественной композиторской школе, которая переживала первый высокий взлет.
Пипков выступает также как музыкальный критик и публицист. В программной
статье _О болгарском музыкальном стиле_ он утверждает, что композиторское
творчество должно развиваться в русле социально-активного искусства и что
основой его является верность народной идее. Социальная значимость
характерна для большинства крупных сочинений мастера. В 1940 г. он создает
Первую симфонию - это первая в Болгарии подлинно национальная, вошедшая в
отечественную классику крупная концепционная симфония. В ней находит
отражение духовная атмосфера эпохи гражданской войны в Испании и начала
второй мировой войны. Концепция симфонии - национально своеобразный вариант
известной идеи _через борьбу к победе_ - воплощена на основе болгарской
образности и стилистики, опирающейся на закономерности фольклора.
Вторая опера Пипкова _Момчил_ (имя народного героя, предводителя
гайдуков) создавалась в 1939-43 гг., завершена в 1948 г. Она отразила
патриотические настроения и демократический подъем в болгарском обществе на
рубеже 40-х гг. Это народная музыкальная драма, с ярко выписанным,
многогранно показанным образом народа. Важное место занимает героическая
образная сфера, использован язык массовых жанров, в частности революционной
маршевой песни - она здесь органично соединяется с исконными крестьянскими
фольклорными истоками. Сохраняются характерные для Пипкова мастерство
драматурга-симфониста и глубинная национальная почвенность стиля. Опера,
впервые показанная в 1948 г. в Софийском театре, стала первой ласточкой
нового этапа развития болгарской музыкальной культуры, этапа, наступившего
после революции 9 сентября 1944 г. и вступления страны на путь
социалистического развития.
Композитор-демократ, коммунист, обладающий большим общественным
темпераментом, Пипков развертывает кипучую деятельность. Он - первый
директор возрожденной Софийской оперы (1944-48), первый секретарь созданного
в 1947 г. Союза болгарских композиторов (194757). С 1948 г. он профессор
Болгарской государственной консерватории. В этот период в творчестве Пипкова
с особой силой утверждается современная тема. Особенно ярко раскрыта она
оперой _Антигона-43_ (1963), остающейся поныне лучшей болгарской оперой и
одной из наиболее значительных опер на современный сюжет в европейской
музыке, и ораторией _О нашем времени_ (1959). Чуткий художник возвысил здесь
голос против войны - не той, что прошла, а той, что вновь угрожает людям.
Богатство психологического содержания оратории обусловливает смелость и
остроту контрастов, динамику переключений - от интимной лирики писем солдата
к возлюбленной к жестокой картине всеобщего уничтожения в результате
атомного удара, к трагическому образу погибших детей, окровавленных птиц.
Подчас оратория обретает театральную силу воздействия.
Юная героиня оперы _Антигона-43_ - школьница Анна, как когда-то
Антигона, вступает в героический поединок с властями. Из неравной борьбы
Анна-Антигона выходит победительницей, хотя достается ей эта моральная
победа ценою жизни. Музыка оперы отличается суровой сдержанной силой,
самобытностью, тонкостью психологической разработки вокальных партий, в
которых доминирует ариозно-декламационный стиль. Драматургия
остроконфликтна, напряженному динамизму сцен-поединков, характерных для
музыкальной драмы и кратких, как пружина, напряженных оркестровых
интерлюдий, противостоят эпические хоровые интермедии - это как бы голос
народа, с его философскими размышлениями и этическими оценками
происходящего.
В конце 60-х - начале 70-х гг. намечается новый этап в творчестве
Пипкова: от героических и трагедийных концепций гражданственного звучания
происходит все больший поворот к лирико-психологической,
философско-этической проблематике, особой интеллектуальной утонченности
лирики. Наиболее значительные произведения этих лет - Пять песен на ст.
иностранных поэтов (1964) для баса, сопрано и камерного оркестра, Концерт
для кларнета с камерным оркестром и Третий квартет с литаврами (1966),
лирико-медитативная двухчастная Четвертая симфония для струнного оркестра
(1970), хоровой камерный цикл на ст. М. Цветаевой _Приглушенные песни_
(1972), циклы пьес для фортепиано. В стилистике поздних сочинений Пипкова
заметно обновление выразительного потенциала, обогащение его новейшими
средствами. Композитор прошел большой путь. На каждом витке своей творческой
эволюции он решал задачи новые и актуальные для всей национальной школы,
прокладывая ей путь в будущее. /Р. Лейтес/
ПРОКОФЬЕВ Сергей Сергеевич (23 IV 1891, с. Сонцовка, ныне Донецкая обл.
- 5 III 1953, Москва)
Кардинальным достоинством, (или, если хотите, недостатком) моей жизни
всегда были поиски оригинального, своего музыкального языка. Я ненавижу
подражание, я ненавижу избитые приемы...
Можно быть как угодно долго за границей, но надо непременно время от
времени возвращаться на Родину за настоящим русским духом.
С. Прокофьев
Детские годы будущего композитора прошли в музыкальной семье. Его мать
была хорошей пианисткой, и мальчик, засыпая, нередко слышал доносящиеся
издалека, за несколько комнат звуки сонат Л. Бетховена. Когда Сереже было 5
лет, он сочинил первую пьесу для фортепиано. С его детскими композиторскими
опытами познакомился в 1902 г. С. Танеев, и по его совету начались уроки
композиции у Р. Глиэра. В 1904-14 гг. Прокофьев учился в Петербургской
консерватории у Н. Римского-Корсакова (инструментовка), Я. Витолса
(музыкальная форма), А. Лядова (композиция), А. Есиповой (фортепиано). На
выпускном экзамене Прокофьев с блеском исполнил свой Первый концерт, за что
был удостоен премии им. А. Рубинштейна. Юный композитор жадно впитывает
новые веяния музыки и скоро находит собственный путь музыканта-новатора.
Выступая как пианист, Прокофьев часто включал в свои программы и собственные
произведения, вызывавшие бурную реакцию слушателей.
В 1918 г. Прокофьев выехал в США, начав далее ряд поездок по зарубежным
странам - Франции, Германии, Англии, Италии, Испании. Стремясь завоевать
мировую аудиторию, он много концертирует, пишет крупные сочинения - оперы
_Любовь к трем апельсинам_ (1919), _Огненный ангел_ (1927); балеты _Стальной
скок_ (1925, навеян революционными событиями в России), _Блудный сын_,
(1928), _На Днепре_ (1930); инструментальную музыку.
В начале 1927 и в конце 1929 г. Прокофьев с огромным успехом выступает
в Советском Союзе. В 1927 г. его концерты проходят в Москве, Ленинграде,
Харькове, Киеве и Одессе. _Прием, который оказала мне Москва, был из ряда
вон выходящий. ...Прием в Ленинграде оказался даже горячей, чем в Москве_, -
писал композитор в Автобиографии. В конце 1932 г. Прокофьев принимает
решение возвратиться на Родину.
С середины 30-х гг. творчество Прокофьева достигает своих вершин. Он
создает один из своих шедевров - балет _Ромео и Джульетта_ по В. Шекспиру
(1936); лирико-комическую оперу _Обручение в монастыре_ (_Дуэнья_, по Р.
Шеридану - 1940); кантаты _Александр Невский_ (1939) и _Здравица_ (1939);
симфоническую сказку на собственный текст _Петя и волк_ с
инструментами-персонажами (1936); Шестую сонату для фортепиано (1940); цикл
фортепианных пьес _Детская музыка_ (1935). В 30-40-е гг. музыку Прокофьева
исполняют лучшие советские музыканты: Н. Голованов, Э. Гилельс, B.
Софроницкий, С. Рихтер, Д. Ойстрах. Высочайшим достижением советской
хореографии стал образ Джульетты, созданный Г. Улановой. Летом 1941 г. на
даче под Москвой Прокофьев писал заказанный ему Ленинградским театром оперы
и балета им. С. М. Кирова балет-сказку _Золушка_. Известие о начавшейся
войне с фашистской Германией и последующие трагические события вызвали у
композитора новый творческий подъем. Он создает грандиозную
героико-патриотическую оперу-эпопею _Война и мир_ по роману Л. Толстого
(1943), с режиссером C. Эйзенштейном работает над историческим фильмом _Иван
Грозный_ (1942). Тревожные образы, отблески военных событий и вместе с тем
неукротимая воля и энергия свойственны музыке Седьмой сонаты для фортепиано
(1942). Величавая уверенность запечатлена в Пятой симфонии (1944), в которой
композитор, по его словам, хотел _воспеть свободного и счастливого человека,
его могучие силы, его благородство, его духовную чистоту_.
В послевоенное время, несмотря на тяжелую болезнь, Прокофьев создает
много значительных произведений: Шестую (1947) и Седьмую (1952) симфонии,
Девятую фортепианную сонату (1947), новую редакцию оперы Война и мир (1952),
виолончельную Сонату (1949) и Симфонию-концерт для виолончели с оркестром
(1952). Конец 40-начало 50-х гг. были омрачены шумными кампаниями против
_антинародного формалистического_ направления в советском искусстве,
гонениями на многих лучших его представителей. Одним из главных формалистов
в музыке оказался Прокофьев. Публичное шельмование его музыки в 1948 г. еще
более ухудшило состояние здоровья композитора.
Последние годы своей жизни Прокофьев провел на даче в поселке Николина
гора среди любимой им русской природы, он продолжал непрерывно сочинять,
нарушая запреты врачей. Тяжелые обстоятельства жизни сказались и на
творчестве. Наряду с подлинными шедеврами среди сочинений последних лет
встречаются произведения _упрощенческой концепции - увертюра Встреча Волги с
Доном_ (1951), оратория _На страже мира_ (1950), сюита _Зимний Костер_
(1950), некоторые страницы балета _Сказ о каменном цветке_ (1950), Седьмой
симфонии. Прокофьев умер в один день со Сталиным, и проводы великого
русского композитора в последний путь были заслонены всенародным волнением в
связи с похоронами _великого вождя народов_.
Стиль Прокофьева, чье творчество охватывает 4 с половиной десятилетия
бурного XX в., претерпел очень большую эволюцию. Прокофьев прокладывал пути
новой музыки нашего столетия вместе с другими новаторами начала века - К.
Дебюсси. Б. Бартоком, А. Скрябиным, И. Стравинским, композиторами
нововенской школы. Он вошел в искусство как дерзкий ниспровергатель
обветшалых канонов позднеромантического искусства с его изысканной
утонченностью. Своеобразно развивая традиции М. Мусоргского, А. Бородина,
Прокофьев внес в музыку необузданную энергию, натиск, динамизм, свежесть
первозданных сил, воспринятых как _варварство (Наваждение_ и Токката для
фортепиано, _Сарказмы_; симфоническая _Скифская сюита_ по балету _Ала и
Лоллий_; Первый и Второй фортепианные концерты). Музыка Прокофьева
перекликается с новациями других русских музыкантов, поэтов, живописцев,
деятелей театра. _Сергей Сергеевич играет на самых нежных нервах Владимира
Владимировича_, - отозвался В. Маяковский об одном из исполнений Прокофьева.
Хлесткая и сочная русско-деревенская образность через призму изысканного
эстетства характерна для балета _Сказка про шута, семерых шутов
перешутившего_ (по мотивам сказок из сборника А. Афанасьева). Сравнительно
редок в то время лиризм; у Прокофьева он лишен чувственности и
чувствительности - он застенчив, нежен, деликатен (_Мимолетности, Сказки
старой бабушки_ для фортепиано).
Яркость, пестрота, повышенная экспрессия типичны для стиля зарубежного
пятнадцатилетия. Это брызжущая весельем, задором опера _Любовь к трем
апельсинам_ по сказке К. Гоцци (_бокал шампанского_, по определению А.
Луначарского); великолепный Третий концерт с его бодрым моторным напором,
оттеняемым чудесным свирельным напевом начала 1 ч., проникновенным лиризмом
одной из вариаций 2 ч. (1917-21); напряженность сильных эмоций _Огненного
ангела_ (по роману В. Брюсова); богатырская мощь и размах Второй симфонии
(1924); _кубистический_ урбанизм _Стального скока_; лирическая интроспекция
_Мыслей_ (1934) и _Вещей в себе_ (1928) для фортепиано. Стиль периода
30-40-х гг. отмечен свойственным зрелости мудрым самоограничением в
сочетании с глубиной и национальной почвенностью художественных концепций.
Композитор стремится к общечеловеческим идеям и темам, обобщающим образам
истории, светлым, реалистически-конкретным музыкальным характерам. Особенно
углубилась эта линия творчества в 40-е гг. в связи с тяжелыми испытаниями,
выпавшими на долю советского народа в годы войны. Раскрытие ценностей
человеческого духа, глубокие художественные обобщения становятся главным
стремлением Прокофьева: _Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как
и поэт, ваятель, живописец, призван служить человеку и народу. Он должен
воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему. Таков с
моей точки зрения незыблемый кодекс искусства_.
Прокофьев оставил огромное творческое наследие - 8 опер; 7 балетов; 7
симфоний; 9 фортепианных сонат; 5 фортепианных концертов (из них Четвертый -
для одной левой руки); 2 скрипичных, 2 виолончельных концерта (Второй -
Симфония-концерт); 6 кантат; ораторию; 2 вокально-симфонические сюиты; много
фортепианных пьес; пьесы для оркестра (в т. ч. _Русская увертюра,
Симфоническая песнь, Ода на окончание войны_, 2 _Пушкинских вальса_);
камерные сочинения (Увертюра на еврейские темы для кларнета, фортепиано и
струнного квартета; Квинтет для гобоя, кларнета, скрипки, альта и
контрабаса; 2 струнных квартета; 2 сонаты для скрипки и фортепиано; Соната
для виолончели и фортепиано; целый ряд вокальных сочинений на слова А.
Ахматовой, К. Бальмонта, А. Пушкина, Н. Агнивцева и др.).
Творчество Прокофьева получило всемирное признание. Непреходящая
ценность его музыки - в душевной щедрости и доброте, в приверженности
высоким гуманистическим идеям, в богатстве художественной выразительности
его произведений. /Ю. Холопов/
ПУЛЕНК (Poulenc) Франсис (7 I 1899, Париж - 30 I 1963, там же)
Моя музыка - это мой портрет.
Ф. Пуленк
Ф. Пуленк - один из самых обаятельных композиторов, которых дала миру
Франция в XX столетии. Он вошел в историю музыки как участник творческого
союза _Шести_. В _Шестерке_ - самый молодой, едва перешагнувший порог
двадцатилетия, - он сразу завоевал авторитет и всеобщую любовь своим
талантом - самобытным, живым, непосредственным, а также чисто человеческими
качествами - неизменным юмором, добротой и чистосердечностью, а главное -
умением одаривать людей своей необыкновенной дружбой. _Франсис Пуленк - это
сама музыки_, - писал о нем Д. Мийо, - _я не знаю другой музыки, которая
действовала бы столь же непосредственно, была бы столь же просто выражена и
достигала бы цели с такой же безошибочностью_.
Будущий композитор родился в семье крупного промышленника. Мать -
прекрасная музыкантша - была первой учительницей Франсиса, она передала сыну
свою безграничную любовь к музыке, преклонение перед В. А. Моцартом, Р.
Шуманом, Ф. Шубертом, Ф. Шопеном. С 15 лет его музыкальное образование
продолжалось под руководством пианиста Р. Виньеса и композитора Ш. Кеклена,
которые приобщили молодого музыканта к современному искусству, к творчеству
К. Дебюсси, М. Равеля, а также к новым кумирам молодых - И. Стравинскому и
Э. Сати. Молодость Пуленка совпала с годами первой мировой войны. Он был
призван в армию, это помешало ему поступить в консерваторию. Однако на
музыкальной арене Парижа Пуленк появился рано. В 1917 г. восемнадцатилетний
композитор дебютировал на одном из концертов новой музыки Негритянской
рапсодией для баритона и инструментального ансамбля. Это произведение имело
такой шумный успех, что Пуленк сразу стал знаменитостью. О нем заговорили.
Вдохновленный успехом, Пуленк вслед за Негритянской _рапсодией_ создает
вокальные циклы _Бестиарий_ (на ст. Г. Аполлинера), _Кокарды_ (на ст. Ж.
Кокто); фортепианные пьесы _Вечные движения, Прогулки_; хореографический
концерт для фортепиано с оркестром _Утренняя серенада_; балет с пением
_Лани_, поставленный в 1924 г. в антрепризе С. Дягилева. Мийо откликнулся на
эту постановку восторженной статьей: _Музыка "Ланей" как раз такова, какую и
можно ожидать от ее автора... Этот балет написан в виде танцевальной
сюиты... с таким богатством оттенков, с такой элегантностью, нежностью,
очарованием, с каким нас столь щедро одаривают лишь произведения Пуленка...
Значение этой музыки непреходящее, время ее не тронет, и она навсегда
сохранит свою юношескую свежесть и оригинальность_.
В ранних произведениях Пуленка проявились уже самые существенные
стороны его темперамента, вкуса, творческого почерка, особая чисто парижская
окраска его музыки, ее неразрывная связь с парижской шансон. Б. Асафьев,
давая характеристику этим сочинениям, отметил _ясность... и живость
мышления, задорный ритм, меткую наблюдательность, чистоту рисунка, сжатость
- и конкретность изложения_.
В 30-е гг. расцветает лирический талант композитора. Он с увлечением
работает в жанрах вокальной музыки: пишет песни, кантаты, хоровые циклы. В
лице Пьера Бернака композитор обрел талантливого интерпретатора своих песен.
С ним в качестве пианиста он много и успешно гастролировал по городам Европы
и Америки на протяжении более чем 20 лет. Большой художественный интерес
представляют хоровые сочинения Пуленка на духовные тексты: Месса, _Литании к
черной Рокамадурской богоматери_, Четыре мотета на время покаяния. Позднее -
в 50-е гг. будут созданы также _Stabat mater, Gloria_, Четыре рождественских
мотета. Все сочинения - очень разноплановые по стилю, в них отразились
традиции хоровой музыки Франции различных эпох - от Гийома де Машо до Г.
Берлиоза. Годы второй мировой войны Пуленк проводит в осажденном Париже и в
своем загородном особняке в Нуазе, разделяя со своими соотечественниками все
тяготы военной жизни, глубоко страдая за судьбу родины, своего народа,
родных и друзей. Горестные мысли и чувства этого времени, но также и веру в
победу, в свободу отразила кантата _Лик человеческий_ для двойного хора a
cappella на стихи П. Элюара. Поэт французского Сопротивления Элюар создавал
свои стихи в глубоком подполье, откуда тайно под вымышленным именем
переправил их Пуленку. Композитор также хранил в тайне работу над кантатой и
ее издание. В самый разгар войны это было актом большого мужества. Не
случайно в день освобождения Парижа и его предместий партитуру _Лика
человеческого_ Пуленк с гордостью выставил в окне своего дома рядом с
национальным флагом.
Выдающимся мастером-драматургом проявил себя композитор в оперном
жанре. Первая опера _Груди Терезия_ (1944 г., на текст фарса Г. Аполлинера)
- веселая, легкая и фривольная опера-buffа - отразила склонность Пуленка к
юмору, шутке, эксцентрике. 2 последующие оперы - в ином жанре. Это драмы с
глубоким психологическим развитием. _Диалоги кармелиток_ (либр. Ж.
Бернаноса, 1953) раскрывает мрачную историю гибели обитательниц
кармелитского монастыря во времена Великой французской революции, их
героическую жертвенную смерть во имя веры. _Человеческий голос_ (по драме Ж.
Кокто, 1958) - лирическая монодрама, в которой звучит живой и трепетный
человеческий голос - голос тоски и одиночества, голос покинутой женщины. Из
всех произведений Пуленка эта опера принесла ему наибольшую популярность в
мире. В ней проявились самые яркие стороны дарования композитора. Это
вдохновенное сочинение, проникнутое глубокой человечностью, тонким лиризмом.
Все 3 оперы создавались в расчете на замечательный талант французской певицы
и актрисы Д. Дюваль, которая стала первой исполнительницей в этих операх.
Завершают творческий путь Пуленка 2 сонаты - Соната для гобоя и
фортепиано, посвященная С. Прокофьеву, и Соната для кларнета и фортепиано,
посвященная А. Онеггеру. Внезапная смерть оборвала жизнь композитора в
период большого творческого подъема, в разгар концертных гастролей.
Наследие композитора составляют около 150 произведений. Наибольшей
художественной ценностью обладает его вокальная музыка - оперы, кантаты,
хоровые циклы, песни, лучшие из которых написаны на стихи П. Элюара. Именно
в этих жанрах по-настоящему открылся щедрый дар Пуленка-мелодиста. Его
мелодии, подобно мелодиям Моцарта, Шуберта, Шопена, сочетают в себе
обезоруживающую простоту, тонкость и психологическую глубину, служат
выражением души человеческой. Именно мелодическое обаяние обеспечило
длительный и непреходящий успех музыке Пуленка во Франции и за ее пределами.
/Л. Кокорева/
ПУЧЧИНИ (Puccini) Джакомо (22 XII 1858, Лукка - 29 XI 1924, Брюссель)
Здесь 22 декабря 1858 года родился Джакомо Пуччини, происходящий из
древнего рода музыкантов и достойный вечно живых традиций своей родины. Он
создал легко запоминающиеся мелодии, обогатив их новыми голосами жизни. Как
прославленный мастер, он - через стилистически совершенные и гибкие формы -
вновь утвердил во всем мире национальное содержание искусства.
Город, гордый своим сыном,
на тридцатый день после его
смерти
29 декабря 1924 года.
Эту торжественную надпись и сейчас можно прочитать на мемориальной
доске, прикрепленной к стене старого дома по улице ди Поджа в тосканском
городе Лукка. Здесь в семье потомственного музыканта Микеле Пуччини после
четырех дочерей родился мальчик, которого назвали Джакомо в честь
прапрадеда, первого композитора из их рода. Ему и суждено было прославить на
весь мир фамилию Пуччини. Рано лишившийся отца, Джакомо с детских лет
вынужден был зарабатывать на жизнь в качестве певчего в церкви. Четырнадцати
лет он получил место церковного органиста. Его импровизации, в которых
нередко слышались тосканские народные напевы, а подчас и оперные мелодии,
восхищали прихожан, но вызывали недовольство местного духовенства из-за
излишней _театральности_. Яркой мелодической выразительностью отличались и
произведения, написанные юношей под руководством К. Анджелони, в чьем классе
он занимался в луккском Музыкальном институте им. Дж. Пачини. Исполнение в
1880 г. мессы, сочиненной к окончанию института, принесло Джакомо первый
успех. Осенью того же года он отправился в Милан и, без труда выдержав
вступительные экзамены, был принят в консерваторию.
В нелегкие студенческие годы Пуччини часто приходилось мерзнуть в
нетопленой комнате, недоедать, каждое посещение театра из-за дороговизны
билетов становилось событием, но он не унывал. Занимался с утра до позднего
вечера. Особенно привлекали его уроки композиции у А. Понкьелли,
прославившегося оперой _Джоконда_. Среди друзей Джакомо - композиторы А.
Каталани и будущий автор _Сельской чести_ - П. Масканьи.
За время учебы Пуччини написал немало различных произведений; лучшее из
них - Симфоническое каприччио, с успехом исполненное на выпускном экзамене в
консерватории 14 июля 1883 г. и получившее одобрительные отзывы в прессе. Но
композитор чувствовал, что его жанр - не инструментальная, не симфоническая
музыка, а музыка для театра, связанная со словом, с жестом, с живым
действием на сцене.
Первые 2 оперы - _Виллисы_ (1883) и _Эдгар_ (1885-88) - еще только
подступы к самостоятельному пути в искусстве. Их традиционные романтические
сюжеты, разработанные либреттистом Ф. Фонтаной, мало подходили к творческой
индивидуальности Пуччини. Тем не менее премьера _Виллис_ в театре Даль Верме
сделала начинающего автора известным в миланских музыкальных кругах. Критики
писали о наличии в опере ряда ярких драматических сцен и лирических
эпизодов, отличающихся мелодическим богатством. Талантливым композитором
заинтересовался издатель Дж. Рикорди, ставший на всю жизнь его покровителем
и другом.
Понимая, что основой оперного либретто должна служить сильная жизненная
драма, способная взволновать публику, Пуччини уходит в поиски сюжета для
новой оперы. Он останавливает свой выбор на _Истории кавалера Де Грие и
Манон Леско_ А. Прево. Его не смущает огромная популярность _Манон_ Ж.
Массне. _Это будут две абсолютно разные сестры_, - убеждает он либреттистов.
- _Музыка Массне Французская - с напудренными париками и менуэтом, моя же
будет итальянская - с отчаянием и страстью_.
_Манон Леско_ отличается от первых пуччиниевских опер большей
драматургической цельностью, разнообразием музыкального языка. Основным
средством выразительности служит мелодия - напевная, гибкая, богатая
ритмически. В центре оперы - лирические сцены, связанные с характеристиками
главных персонажей, с передачей их чувств и настроений. После триумфальной
туринской премьеры, состоявшейся 1 февраля 1893 г., _Манон Леско_ быстро
завоевала симпатии слушателей далеко за пределами Италии.
Творческий облик молодого Пуччини формировался в эпоху, когда в
итальянском музыкальном театре утверждалось новое направление - веризм,
громко заявившее о себе операми _Сельская честь_ П. Масканьи (1890) и
_Паяцы_ Р. Леонкавалло (1892). Однако отдельные веристские тенденции,
получившие выражение в некоторых пуччиниевских операх (_Тоска, Девушка с
Запада, Плащ_), не стали для композитора определяющими. Подобно веристам,
Пуччини обращается к воплощению обыденной жизни со свойственными ей острыми
конфликтами, но его произведения, наполненные тонкой поэзией и глубоким
психологизмом, значительно выше типичных образцов веристской оперы с ее
предельной концентрацией действия и подчеркнуто экспрессивным музыкальным
выражением.
Сочинением, открывшим новый, зрелый период в творчестве Пуччини, стала
_Богема_, написанная по роману А. Мюрже _Сцены из жизни богемы_. _Я нашел
сюжет, в который совершенно влюбился_, - говорил композитор. Ведь для него,
прошедшего в молодости через нужду и лишения, этот сюжет был до некоторой
степени автобиографичным. С искренней теплотой, мягким юмором и
проникновенным лиризмом рассказывает Пуччини о трогательной истории любви
бедной швеи Мими и безработного художника Рудольфа. Лирические эпизоды
переплетаются в опере с веселыми, живыми жанровыми картинами. Музыка гибко
следует за сменой сценических образов. В _Богеме_ почти нет завершенных
оперных номеров: небольшие ариозо органично переходят в напевную декламацию
- речитативы и диалоги. Важное значение в музыке оперы имеют лейтмотивы и их
развитие.
Первое представление _Богемы_ в Турине 1 февраля 1896 г. вызвало
горячие споры. Автора порицали за обращение к _неоперному_ сюжету, называли
его произведение _оперой оборванцев_. В защиту _Богемы_ выступил А.
Тосканини, предсказавший ей блестящую будущность. Время подтвердило его
правоту. Одновременно с Пуччини над сюжетом _Богемы_ работал Леонкавалло.
Это послужило причиной долголетней размолвки между двумя композиторами, до
того находившимися в приятельских отношениях. _Богема_ Леонкавалло,
поставленная через год после пуччиниевской оперы, успеха не имела.
Еще до начала работы над _Манон Леско_ Пуччини думал об опере _Тоска_
на сюжет драмы В. Сарду. После премьеры _Богемы_ он вместе со своими
постоянными либреттистами Л. Илликой и Дж. Джакозой приступил к разработке
сценария. В центре сочинения, как всегда у Пуччини, - любовная драма. Но
здесь композитор впервые затрагивает тему борьбы с произволом: главные герои
- певица Флория Тоска и художник Марио Каварадосси - гибнут в столкновении с
миром тирании.
Премьера _Тоски_ состоялась в Риме 14 января 1900 г. Оперу сразу
подняли на щит сторонники веристского направления, которых привлек неистовый
драматизм отдельных ее сцен. Но не это определило успех _Тоски_ у публики -
ее покорила красивая, выразительная, богатая мелодиями музыка Пуччини,
неразрывно связанная с действием. За один год _Тоска_ обошла крупнейшие
театры мира.
...Мысль написать оперу по пьесе _Гейша_ американского драматурга Д.
Беласко родилась под впечатлением спектакля, виденного в Лондоне, куда
Пуччини ездил летом 1900 г. в связи с постановкой _Тоски_ в театре Covent
Garden. Правдивый рассказ о трагической судьбе бедной японской девушки
Чио-Чиосан, или, как ее называли, мадам Баттерфлай (Мотылек), - глубоко
взволновал композитора. _Мадам Баттерфлай_ завершает центральный, наиболее
интенсивный период деятельности Пуччини - период непрестанных творческих
поисков и решений. Она предвосхищает характерный для оперы XX в. тип
монодрамы, где все события сосредоточены вокруг главного персонажа.
Образ _маленькой японочки из Нагасаки_, утверждающий высокие
нравственные идеалы, - самый сложный и многогранный в галерее пуччиниевских
женских характеров. Основное внимание композитора направлено на раскрытие
душевной драмы Чио-Чио-сан, внешнее сценическое действие в опере почти
отсутствует.
Пуччини - один из первых европейских композиторов, обратившихся к
японскому сюжету. Чтобы как можно достовернее передать в музыке локальный
колорит, он использует подлинные японские напевы, применяет необычные
сочетания зсуков, хрупкие, звенящие оркестровые тембры.
Премьера _Мадам Баттерфлай_ 17 февраля 1904 г. в миланском театре Ла
Скала стала настоящим провалом. Виною тому в немалой степени был допущенный
самим Пуччини драматургический просчет, в результате чего II акт оказался
слишком растянутым. Через 3 месяца после сделанных автором небольших
изменений опера одержала блистательную победу в Брешии. В главной роли
выступила молодая украинская певица Соломин Крушельницкая, которая к тому
времени уже прославилась как превосходная исполнительница опер Р. Вагнера.
Спустя несколько дней она получила в подарок портрет композитора со
следующей надписью: _Самой великолепной и очаровательной Баттерфлай. Джакомо
Пуччини, Торре дель Лаго_, 1904.
Успех _Мадам Баттерфлай_ упрочил мировую славу Пуччнни. Его оперы
ставятся повсюду, его имя произносится рядом с именами крупнейших
композиторов.
_А как поют индейцы_? - спрашивал себя композитор, посмотрев в
Нью-Йорке драму Беласко _Девушка с Золотого Запада_ из жизни калифорнийских
золотоискателей. В опере на этот сюжет Пуччини продолжает линию _Тоски_ - в
ней еще отчетливее выступило влияние веристских тенденций. Лучше всего
автору удались сильные драматические сцены, где раскрываются характеры
главных героев - Минни и Джонсона; здесь преобладает напряженная
мелодическая декламация. Существенное место отведено жанровым эпизодам, в
которых благодаря тонко вплетенным в музыку джазовым элементам, интонациям и
ритмам негритянского и индейского фольклора ярко запечатлен своеобразный быт
_дикого Запада_. Премьера _Девушки с Запада_ в Нью-Йорке 10 декабря 1910 г.
проходила в атмосфере сенсации, но популярности своих предшественниц опера
не достигла.
Второе десятилетие XX в. было трудным для Пуччини. Гнетущая обстановка
первой мировой войны заметно ослабила его творческую активность. Лирическая
комедия _Ласточка_ (1914-16) не стала крупным художественным достижением
композитора. Перебрав множество различных сюжетов (среди них и произведения
русской литературы - Л. Толстого, М. Горького), Пуччини приходит к идее
создания триптиха - цикла, состоящего из трех контрастирующих друг с другом
опер. Первая часть - _Плащ_, основанная на стремительном развитии драмы
любви и ревности, - и по типу драматургии, и по музыкальному выражению
близка к веристским операм.
Лирическая середина - _Сестра Анджелика_, повествующая о печальной
судьбе молодой монахини, - выдержана в мягких, приглушенных тонах. И
наконец, искрометный финал - веселый, озорной, в духе старых комических опер
- _Джанни Скикки_, сюжет которого навеян строками из _Божественной комедии_
Данте.
Получившей восторженный прием на премьере в нью-йоркской Metropolitan
Opera, этот шедевр Пуччини и до сих пор сохраняет свое значение лучшей части
цикла.
Уже будучи тяжело больным (рак горла), Пуччини работает над своим
последним сочинением - монументальной экзотической оперой-легендой
_Турандот_ по мотивам пьесы К. Гоцци. Героев условно-сказочного мира
композитор наделяет живыми человеческими страстями. Основная сюжетная линия
связана с историей неприступной, гордой и жестокой китайской принцессы
Турандот, побежденной великой любовью неизвестного принца - Калафа.
Масштабность и многоплановость _Турандот_ обусловили особенности ее
музыкальной драматургии: контрастные сопоставления различных жанровых сфер -
лирико-драматической, комической, эпической; наличие развернутых хоровых
сцен; необычный характер музыки, сплавленной из европейской мелодики и
подлинных китайских мотивов; разнообразие оркестровых колористических
эффектов.
Закончить оперу композитор не успел, на четвертый день после
мучительной операции Пуччини не стало. Тело его было перевезено в Италию и
захоронено в часовне Торре дель Лаго. Первое представление _Турандот_,
завершенной по эскизам автора композитором Ф. Альфано, состоялось в Ла Скала
25 апреля 1926 г. Дирижировал А. Тосканини. Когда отзвучал последний аккорд,
написанный Пуччини, Тосканини опустил дирижерскую палочку и, обернувшись к
публике, сказал: _Здесь смерть вырвала перо из руки маэстро_. Все встали.
Публика разошлась в глубоком молчании.
Пуччини явился последним представителем итальянской оперной классики.
Чуткий к веяниям эпохи, он постоянно искал пути обновления
художественно-выразительных средств оперы. Его творчество оказало заметное
воздействие на развитие европейской оперы XX столетия. Верный традициям