Аксенов Ю., Левидов М. Цвет и линия
Подождите немного. Документ загружается.
несколько сеансов, трудно выполнить в один час, если больше не возвращаться к этому
этюду. Часто неопытных художников постигает неудача именно потому, что они не
учитывают реальное время, которым располагают для выполнения той или иной работы.
Имеет значение также размер этюда; для кратковременных этюдов лучше брать
небольшие картонки или холсты. Однако что такое направлять свое внимание к
определенной цели? Значит ли это, что нужно находить детали и подробности? Или это
значит — искать обобщенное решение? Ни то и ни другое в отдельности. Художник
должен выразить свое живое чувство натуры. И не следует заниматься протокольным
перечислением всех подробностей лишь потому, что они находятся перед глазами.
Мы воспроизводим очень красивый этюд художника В. Борисова-Мусатова «Женщина
в желтой шали». Модель написана в условиях пленэра, то есть на воздухе. Удивительная
жизненность в этом портрете. Она заключается в ощущении вибрации света, воздуха, в
ощущении природы. Вся живопись направлена на выражение этого чувства. Обратите
внимание, как выразительно подчеркивается тонкая детализация лица женщины широко
прописанными складками ее шали и обобщенным решением пейзажного фона. Выделяя из
всей сложности видимого одни подробности и отбрасывая другие, художник достигает
живого единства изображения.
Предлагаем вам следующие практические задания.
1. Напишите серию быстрых (полчаса, час, полтора) этюдов пейзажа. Постарайтесь
средствами цветовых отношений передать в этих работах самое для вас существенное.
2. Выполните более длительные этюды пейзажа — каждый этюд пишите два-три сеанса.
Работать надо в одни и те же часы и при одинаковой погоде — иначе все будет выглядеть
по-другому.
3. Напишите натюрморт за один сеанс, а потом тот же натюрморт — за несколько сеансов.
4. Поработайте по памяти. Напишите то, что вам запомнилось, как интересный сюжет для
живописи.
Не обязательно ограничиваться натурой, которую мы упоминаем. Пишите все, что вам
понравится и что писать представится возможным. Ищите самое существенное в
характере изображаемой натуры и живописные средства, чтобы это передать. Не пишите
кусочек за кусочком, а лучше все сразу, чтобы все продвигалось в равной мере. И не
бойтесь перерабатывать этюд, пока не получится то, что нужно. Меньше думайте о каких-
то правилах «на все случаи», больше наблюдайте натуру и работайте смелее.
Картины для самостоятельного поиска
А. Руссо. Пейзаж. 1903. Х., масло
В. Суриков. Вид Москвы. Ок. 1913. Х., масло. ГТГ
Живопись и рисунок
В предыдущих уроках мы ставили перед вами конкретные изобразительно-живописные
задачи. Это в какой-то степени определяло и ваш выбор натуры.
Теперь предлагаем вам поработать более самостоятельно. Пищите с натуры, по памяти
или по воображению все, что вам нравится, что представляется значительным,
интересным. В своих работах стремитесь сохранить живое впечатление и собственное
представление о натуре (или воображаемом сюжете).
Мы с вами беседовали о некоторых важнейших законах процесса живописи.
Выбор натуры определяется индивидуальным отношением художника к тому, что его
окружает. О своих переживаниях живописец рассказывает языком цвета. Поэтому
естественно, что натурный сюжет должен связываться с представлением о его
выразительном решении именно живописными средствами. Если художник предполагает
выполнить работу по памяти или по воображению, то и здесь необходимо исходить из
возможности раскрыть содержание темы живописными средствами.
Художник, видя многое, всегда решает для себя труднейшую задачу самоограничения.
Самоограничение — это сосредоточенность художника, когда все внимание, вся сила
зрения и мысли собираются, как в фокусе, на самом существенном для творческих целей.
Композиционное решение этюда определяет характер всего изображения в целом. Об
этом нельзя забывать. Работа всегда проигрывает, если художник не придает должного
значения ее композиционной завязке. Предварительные наброски, эскизы помогают своей
наглядностью найти наиболее выразительную композицию будущего этюда или картины.
Цветовые соотношения этюда или картины. Работа над цветовыми соотношениями
заключается не в механическом перенесении натуры на холст, а в поисках сочетаний
цветовых тонов, которые в общей совокупности создадут необходимое впечатление
формы, освещения и пространства. И конечно, в решение цветовых соотношений
настоящий художник всегда вкладывает свое чувство образа того, что он изображает. С
этим также связано стремление художника подчинить цветовые сочетания общему
колориту работы. Художник свободен, например, усилить общую яркость цвета, или,
наоборот, предпочесть более сдержанную гамму, сделать преобладающими теплые или
холодные тона, светлые или темные, писать небольшими мазками, передавая тончайшие
оттенки оттенки цвета, или придерживаться широкой, обобщенной манеры письма и т. д.
Многие начинающие художники не совсем верно понимают, что считать законченной
работой, часто путают понятия законченности и детальной выписанности.
Законченность произведения — это его убедительность! Этюд, написанный без
подробностей, но образно по цвету, будет восприниматься как законченная работа; а
детальное изображение, наоборот, может казаться не законченным, если оно распадается
на части, не связанные друг с другом. Можно доводить свою работу, если это входит в
ваш замысел, до любой степени детализации, но не забывайте все время проверять, не
разрушаете ли вы целостности впечатления отдельными подробностями. Изучая картины
и рисунки разных мастеров живописи, вы убедитесь, что впечатление завершенности не
зависит от степени выписанности всех подробностей изображения. Талант художника
заключается в умении выразить то, что его захватило, в целостном единстве.
Вернитесь к рисункам Милле. Какой сплав изобразительных средств! Точная и крепкая
композиция, исключительно пластичная связь форм в общем силуэте, по-особому мягкая
и округлая лепка объемов, острая характеристика человека в его неповторимо
индивидуальном движении, действии, поведении, продиктованном настроением,
переживанием, всем душевным строем.
Присмотритесь к тому, как обобщает художник формы и как приемы его рисунка
созвучны необычайной монументальности образов простых тружеников. Мастер вложил в
каждый рисунок свое глубокое и доподлинное знание жизни, показал, с каким внутренним
достоинством несут крестьяне бремя забот о каждом куске хлеба, о вязанке хвороста, о
поле, требующем неустанного труда.
Познакомьтесь теперь с работами советского художника из Латвии Б. Берзиньша
(«Пейзаж», «В бане»). У него свой почерк и современное мировосприятие, он рисует
крестьян нашего времени. Художник находит значительное в повседневном, отражая
полноту жизни, восхищаясь сильным, красивым телом, умением народа отдаваться
радости, веселью, а трудиться так, — не покладая рук, истово и споро.
Своей предельной обобщенностью, плотностью, весомостью, доведенной до
скульптурной рельефности и упругости, рисунки Б. Берзиньша напоминают работы
Брейгеля, Милле. Характерно и построение композиции, как бы замкнутой «в себе»,
уравновешенной, словно увиденной часто с птичьего полета. В его рисунках нет
зрительного центра, все работает на образ, но и нет ничего лишнего или докучливого,
мелочного.
Упругая и сильная линия завершает работу полутонов, чеканя форму или очерчивая
движение, подчеркивая рельеф, пластичность холмов. Она же вписывает фигуры людей в
этот общий плавный, эпический ритм жизни природы, раскрывая монументальное
сочетание форм в ландшафте и потоков света.
Свои сюжеты нашел В. Владыкин на рыбацких сейнерах («Богатый улов»). Упорство в
творчестве, раздумья о сделанном передает рисунок О. Абрамовой «В мастерской
художника», а С. Кудрявцев переносит нас в мир беззаботного детства, раскрывая его как
образ вселенского счастья и ничем не омраченной радости благодаря оригинальной
композиции и тонкости полутонов и легких линий. Сюжет рисунка «Качели» поражает
своей незатейливостью, и только умение художника увидеть и раскрыть в нем широкое
обобщение разнообразных представлений и переживаний светлой поры детства придало
работе значительность законченного произведения графики. И каждому из показанных
вам рисунков свойственно стремление к обобщенности, к использованию неисчерпаемых
средств графики для того, чтобы в обыкновенном раскрыть необычное и всеобщее.
Станете ли вы писать и рисовать пейзажи родной природы, портреты близких или
знакомых, людей за различными занятиями (на природе или в комнате), предметы — это
по вашему усмотрению, главное — искренность чувств и упорство в трудных поисках
изобразительных средств для каждой работы.
Имея уже некоторый опыт работы и зная задачи не только этюдов, но и рисунков, вы и
сами должны уже понимать справедливость сказанного. Наиболее удачными вашими
рисунками стали те, которые сделаны в упоении замыслом и с неподдельной
искренностью, на едином, как говорится, дыхании.
Вы знаете теперь о значении четко поставленной изобразительной задачи в выражении
характера натуры, выразительном построении композиции.
Сказанное выше о выборе натуры и ее наблюдении, об определении главного, самого
существенного, направляющего поиск изобразительных средств, в равной мере относится
и к рисункам. Особенно четко надо продумывать свою позицию, свое отношение к
действительности и конкретной натуре, приковавшей ваше внимание, когда собираетесь
рисовать самостоятельно, без подсказки изобразительной задачи с нашей стороны.
Однако в работе над рисунком есть и некоторые особенности, которые вносят в решение
названных задач определенную, свойственную только языку графики направленность. Мы
имеем в виду то что называют условностью графических средств (с каждым разом
становится и вам это яснее).
В натуре нет как таковых линий, свет порождает цвет, а не просто градации темного и
светлого тона. Прав художник, говоривший, что «человеческое тело не заканчивается
линиями…», и даже утверждавший, что «строго говоря, рисунка не существует! В
природе, где все выпукло, нет линий: только моделированием создается рисунок…»
Рисуя, вы сознательно сосредоточивали свое внимание на форме, ее пластике и игре света
и тени, выражая свои впечатления средствами графики: линией, тоном, пятном. Но в
рисунке важно еще и то, каким материалом нанесены эти линии и пятна на лист бумаги,
выполнена ли работа карандашом, углем, тушью, пером или кистью. Сделайте рисунки
одного и того же мотива разными из известных вам материалами, и вы убедитесь, что тот
же, например, пейзаж приобретает нечто новое в своей характеристике, так как
определенные свойства материалов натолкнут вас не только на разные приемы работы, но
и на различное восприятие самой натуры. Работая пером, вы скорее обратите внимание на
линейную структуру формы, а уголь подскажет более живописное решение рисунка.
Конечно, не обязательно именно так отразится выбор материала на решении ваших работ.
Многое зависит и от отношения художника к этим материалам, его знания и понимания
заложенных в них возможностей, открытия не известных еще никому свойств того же,
скажем, угля или карандаша. Многое определяется темпераментом художника, его
интересами, вкусом. Ведь рисунок — это зеркало души автора.
Если вы встретитесь с трудностями, не отчаивайтесь и не падайте духом, впереди у вас
еще годы учебы, увлекательных поисков и неожиданных открытий, которые станут
праздниками в творчестве. Начало занятий — всего лишь первая и небольшая ступенька
на этом пути.
И в заключение нам хотелось бы привести слова напутствия, которыми завершила свои
беседы с учениками А. Голубкина: «Вы не должны слепо подчиняться запискам. Но если,
работая, вы увидите подтверждение сказанного мною, то возьмите это в ваш
художественный опыт. Когда вам рассказывают дорогу куда-нибудь, то нередко бывает,
что все эти тропинки, станции и прочее перемешиваются в памяти; страшно становится
такой сложности. На самом деле все это проще. Идите сами, и когда вы пойдете, то по
дороге увидите указанные вам приметы и в этом увидите подтверждение правильности
вашего пути. Может быть, вы где-нибудь сократите эту тропинку, может быть, сделаете
интересный крюк. В добрый час! Надо спокойнее отнестись к этим требованиям — они не
самое важное. Все придет в свое время. Работайте больше любуясь, чем заботясь. Главное
и лучшее — впереди, изучение же — только для того, чтобы овладеть своими силами, и из
этого многое придется выбросить так же, как выбрасываются учебники.
Еще раз повторяю: отнеситесь легче ко всему этому изучению, не оно главное, и если у
вас будет крепкое убеждение сделать что-нибудь иначе, по-своему,- делайте: вы правы.
Но вы правы будете только в том случае, если вы действительно искренне так думаете и
чувствуете. Только тогда это будет настоящая правда, которая дороже всего и которая
скажется в работе и новым и живым словом.
О работах ваших товарищей
Летом 1974 года в выставочном зале Манежа была организована выставка работ
самодеятельных художников под девизом «Слава труду». Выставка стала большим
событием в культурной жизни столицы. Живопись, графика и скульптура,
представленные на выставку самодеятельными художниками, привлекли внимание своей
оригинальностью и разнообразием. Выставка была наглядным подтверждением
художественной ценности самобытного искусства. Всякое самобытное явление в
искусстве — это праздник, доставляющий несравнимое эстетическое наслаждение. В
последние годы в печати все чаще появляются очерки и заметки о талантливых
художниках-любителях.
«Много лет назад вошло в обиход понятие — „воскресный художник“. Так стали называть
людей различных профессий, отдающих свободные от работы дни занятиям живописью,
скульптурой, графикой „для себя“, — говорилось в газете „Правда“. — Но, оказывается,
уровень лучших произведений самодеятельных художников может быть таким, что и
профессионалам есть над чем задуматься».
Следует заметить, что творчество самодеятельных художников всегда привлекало
внимание профессиональных мастеров искусства. …Перед рисунками участника одной из
передвижных выставок остановились академик живописи Георгий Нисский и известный
американский художник Антон Рефрежье: «Вот с кем бы встретиться, поговорить о
жизни, об искусстве художника», — оказал американский мастер. «Этот разговор мы
услышали около стенда с работами И. Е. Селиванова, печника из Кемеровской области»,
— замечает корреспондент газеты «Кузбасс» в своем репортаже «На передвижной
выставке».
В газете «Труд» публиковался очерк «Прекрасное вокруг нас». И снова характерные
высказывания о художниках-любителях. Заслуженный деятель искусств Орест Верейский
обратил внимание на работы рыбака из Петропавловска-на-Камчатке Б. Алехина: «Это от
жизни. Интересное решение — именно поперек волн. Надо обязательно видеть это
самому. Как искренне, свежо!.. Где-то существует область искусства, не всегда доступная
даже нам, профессионалам. Вот написал Алехин свое „В океане“, и видишь: где-то здесь,
может быть, и не по прописным истинам, в то же время есть изюминка, характерная для
народных живописцев. И картина покоряет».
Мысль О. Верейского продолжает художник М. Ладур: «Народное творчество —
неоценимое богатство, и относиться к нему надо бережно… Надо стремиться к.
раскрытию индивидуальности начинающего художника».
В настоящей книге приводится несколько репродукций из огромного фонда Заочного
народного университета искусств. Постоянное внимание к творческой личности — это
лучшая педагогическая традиция. За многие годы последовательной и вдумчивой работы
с самодеятельными художниками здесь образовалось ценнейшее собрание картин,
рисунков и этюдов.
«Любопытен опыт Заочного народного университета искусств (ЗНУИ), основанного в
1935 году, — говорил академик Б. Иогансон, — где последовательно отстаивалась идея
бережного отношения к творческой индивидуальности. В его стенах хранятся
произведения живописи подлинно народные.
«Единственный в своем роде факультет изобразительного искусства Заочного народного
университета искусств. За сорок лет его закончило свыше 50 тысяч любителей искусства.
В наши дни в стенах факультета занимается восемь тысяч самодеятельных художников,
— отмечается в уже упомянутом отзыве газеты „Правда“ о выставке „Слава труду“. —
Среди них участники нынешней выставки — чимкентский штукатур П. Леонов, пишущий
большие картины, где реальность замешана на фантазии, совхозный учетчик С. Степанов,
которого влекут „вечные темы“, столяр Я. Веденкин из Йошкар-Олы, в равной степени
виртуозно владеющий пером и кистью».
Приводим и отрывок из статьи в журнале «Творчество»:
«Вот не раз уже воспроизводившиеся рисунки И. Е. Селиванова — человека с необычайно
острым чувством пластики. Цвет у него очень сдержан и всегда играет лишь подсобную
роль, но зато человеческие лица или фигуры животных любовно и мощно вылеплены
неторопливой оттушевкой объемов — не светотенью, потому что его привлекает не
случайная игра света на форме, а сама форма, охарактеризованная всегда очень цельно и
точно. Точность эта, впрочем, не анатомическая. Селиванов, конечно же, не знаток
анатомии. Его лепка основана не на знании закономерного расположения костей и мышц
под кожей, а на органическом ощущении круглоты и весомости, физической ощутимости
объема. Его мир монументален и статичен, фигуры развернуты фронтально - даже быка
или курицу он рисует строго в фас, неподвижно-величественными в своей пластической
завершенности».
Иван Егорович Селиванов вырос в глухом сельце на Севере, под Вологдой. С детства он
видел чудесную резьбу по дереву — наличники на окнах изб, узоры прялок, ковшей,
самодельную крестьянскую мебель. Любовь к дереву и особое понимание его фактуры,
его сдержанного теплого колорита — все это нашло отражение в характере рисунков и
живописи художника. К творчеству Иван Егорович пришел сложившимся и многое
испытавшим в жизни человеком, а учиться начал в ЗНУИ уже в немолодые годы.
О произведении другого самобытного художника — П. Кудрявцева — пишет журнал
«Декоративное искусство»: «Автор картины «В школу» П. Кудрявцев дает пример
органической связи лубка и классической картины XIX века, статики и наивности.
Авторская просветленность мировосприятия передана средствами простыми и
бесхитростными. Все тут, как в лубочной картинке: фронтальность расположения
горницы, четкая гравюрная графичность половиц, обязательная печь, а на полу на первом
плане непременная кошка, свернувшаяся в клубочек. И сцена нехитрая: мать провожает
сына в школу, двое малышей склонились над букварем, на стене большой портрет
улыбающегося Ильича….
Обратите внимание, как хорошо отвечает колорит картины теплоте этой жанровой сцены.
Как угаданы ласковый, заботливый жест матери и едва заметное движение мальчика,
стоящего у двери.
Картина тщательно выписана в деталях. Видно, что художник любит подробности, без
которых не мыслит изображения близкой ему жизни. Но он хорошо чувствует
соотношения всех деталей в общей композиции своего полотна: узор платья матери и
мелочи в одежде ребенка изображены четко и подробно, а узор обоев намечен мягко,
приглушены полутенью бревна в углу комнаты; сравните скульптурную плотную лепку
главных фигур, ясно выделяющихся на фоне светлой печки, и легкую воздушность фигур
второго плана. «Традиционная» кошка, которая придает особый уют изображению
комнаты, нужна здесь и композиционно. Попробуйте «убрать» это темное пятнышко, и вы
увидите, что передний план картины как бы «пропадет», потеряется ощущение
уравновешенности композиции. Значит, место для детали найдено точно.
В одной из наших бесед мы упоминаем натюрморт А. Э. Шлеппа «Уголь». Автор этой
работы шахтер, он понимает и любит красоту, значительность своей профессии. По
манере исполнения натюрморта видно, что художник обладает развитым и тонким
чувством цвета. Он нашел в «черном» и «сером» богатые мотивы для живописи, сумел
увидеть и передать сложную гамму цветовых нюансов, драгоценные переливы куска угля.
Каждый самодеятельный художник, если он увлечен творчеством, имеет свое лицо,
находит свою систему изобразительных средств, которая органически вытекает из круга
его интересов, жизненного опыта, темперамента, воображения. Честность, искренность и
непосредственность заражают и подкупают! И не случайно произведения такого
народного мастера, как, например, Нико Пиросманашвили, или служащего таможни
француза Анри Руссо вошли в историю искусств и экспонируются в крупнейших музеях
мира.
